Diversos trabalhos doados por artistas-parceiros, que aceitaram o convite para colaborar com a manutenção do Ateliê397, serão dispostos na sala expositiva sem nenhuma identificação de autoria. Fotografias, gravuras, colagens e objetos estarão a venda através de um leilão de parede com lances que se iniciam em 200 reais. Os nomes dos artistas e fichas técnicas de cada obra são revelados somente após o fim do leilão. O público escolherá o que comprar sem saber nenhum dado a respeito das peças, a autoria só será revelada no momento posterior à compra.

Os trabalhos dispostos no espaço são identificados por numeração e lista de lances. Durante cerca de três horas os participantes serão estimulados pela performer Glamour Garcia a cobrir suas ofertas e especular sobre a autoria das obras. Às onze horas da noite, os artistas são revelados obra a obra e os donos dos maiores lances levam o trabalho pra casa! Por fim, a dinâmica abre a noite para uma festa com curiosos imprevistos.

Surpraise, que não coincidentemente acontece às vésperas da Feira SP-Arte, reúne obras de autores reconhecidos, jovens artistas e nomes em destaque na arte contemporânea brasileira. Inicialmente com preços iguais e anônimos, cada trabalho convida ao desenvolvimento do olhar, ao exercício crítico da escolha, finalizando na surpresa de ver o resultado de suas apostas! É uma oportunidade de começar ou adicionar novos trabalhos à sua coleção por preços simbólicos.

Artistas participantes da segunda edição do Surpraise:

Amanda Melo
Bárbara Hoffmann
Brígida Baltar
Bruno Baptistelli
Bruno Mendonça
Carla Chaim
Celia Saito
Chico Santos
Cildo Meireles
Claudio Trindade
Coletivo Repartição Pública
Daniel Lie
Daniel Rubim
Daniela Antonelli
Denise Alves-Rodrigues
Diego Castro
Edwin Sanchez
Estela Miazzi
Fabio Flaks
Felipe Meres
Flavia Bertinato
Gabriela Brioschi
Gabriela Vanzetta
Grácia Casaretto
Guga Szabzon
Gustavo Prafrente
Henrique Oliveira
Jaime Lauriano
Janaina Wagner
Jimson Vilela
Joanna Barros
Júlia Armentano
Júlia da Rocha
Kika Nicolela
Laura Wrona
Laurem Crosetti
Leandro Costa
Leo Ayres
Leo Resende Ferreira
Leonardo Akio
Marcelo Amorim
Márcia Beatriz
Mariana Serri
Marta Jourdan
Mônica Rubinho
Nei Franclin
Nino Cais
Patrícia Araújo
Pedro Varela
Rodrigo Andrade
Rodrigo Torres
Sidney Philocreon
Simone Cupello
Susana Guardado
Thiago Honório
Tiago Gomes
Viviane Tabach
Wagner Malta Tavares
Yara Dewachter

SURPRAISE!| 2012

Dia 8 de maio, a partir das 20h

“Sou a favor de uma arte – homenagem a Oldenburg” de Tiago Gomes
O projeto Corredor397 abriga trabalhos site-specific em um muro a céu aberto de 10 metros de altura. Nesta edição o artista Tiago Gomes desenvolveu um lambe-lambe e um stencil de grandes dimensões a partir de um texto de  Claes Oldenburg escrito em 1961.

Sobre a exposição individual “Atrator de Libélulas” de Hugo Fortes
A exposição apresenta trabalhos recentes do artista Hugo Fortes, que tratam da comunicação entre o homem e os animais através da arte, fazendo uma alusão aos processos de documentação e observação científica. Os trabalhos, realizados em vídeo, fotografia e escultura compôem um conjunto poético baseado na imagem de libélulas.

Veja aqui algumas imagens da ação que aconteceu no dia 13 de abril quando o Ateliê397 apresentou a maratona de eventos “Soltem os Bichos” contando com a abertura de mais uma intervenção em seu corredor feita pelo artista Tiago Gomes, uma mostra de vídeo com curadoria de Hugo Fortes e a abertura de sua exposição individual, terminando com uma festa a fantasia animada pelo Mutirão Maravilha Sound System.

O Ateliê397 é uma das plataformas parceiras que tem auxiliado na divulgação na edição de 2012 do “Future Generation Art Prize” no território brasileiro. Recomendamos fortemente que você faça sua inscrição em breve. Não espere até o último minuto! O processo de inscrição é fácil, se dá através de um aplicativo online, toma poucos minutos mas há chances de você encontrar problemas técnicos e estes serão melhor tratados pela equipe do prêmio se ocorrerem bem antes do prazo de aplicação.

O tutorial a seguir destina-se a ajudá-lo a fazer sua incrição de modo mais fácil e eficiente, por favor leia atentamente antes de iniciar sua aplicação. Não é possível salvar a sua aplicação uma vez que você começar, assim se estiver preparado vai lhe poupar uma grande quantidade de tempo.

O aplicativo é dividido em 2 seções principais:
1) informações pessoais e 2) obras.

1) DADOS PESSOAIS + CV:
Aplicação individual ou coletiva (se você está se candidatando como um coletivo, então você vai ser solicitado para adicionar informações sobre cada participante)

Nome
Sexo
Data de Nascimento (você deve ter 35 anos de idade ou menos no momento da aplicação)
País de Nascimento
País de Residência
Cidade de residência
E-mail
Telefone (opcional)
Website (opcional)
Foto (opcional, jpg, gif, png, até 1MB)

CV é separada em 3 subseções:
Exposições individuais (máximo de 1000 caracteres)
Exposições colectivas (máx. 1000 caracteres)
Biografia (máximo 1000 caracteres)

Você está autorizado até 1000 caracteres por seção. Para exposições individuais e coletivas, é suficiente sua lista em ordem cronológica com o nome da exposição e local onde ocorreu, como você faria em seu currículo. Para a seção Biografia, você pode desejar incluir informações sobre você e sua prática. (Lembre-se que você já terá listado sua nacionalidade / naturalidade, por isso não é necessário repetir isso aqui.) Não há nenhuma seção para uma “declaração do artista”, de modo a seção Biografia é o lugar para incorporar informações relevantes para compreender a sua prática e trabalho .

2) OBRAS:

Mínimo de 3 obras e máximo de 7 obras podem ser adicionados.

A seguir é necessário para cada trabalho:
Título em português (até 500 caracteres)
Título traduzido em Inglês (até 500 caracteres)
Foto / vídeo de um trabalho *
* Cada trabalho pode ter apenas uma imagem, que é uma limitação difícil. Existem algumas maneiras de lidar com essa limitação: uma opção é escolher uma única imagem para o seu trabalho, e na descrição do projeto fornecer um link para um site onde imagens podem ser visualizadas. A outra opção é usar outros ‘trabalhos’ para voltar a apresentar o mesmo trabalho. Você, então, usar o mesmo título, mas nota entre parênteses que é uma imagem a mais [por exemplo: "Título do Trabalho (foto detalhe)" ou "Título do Trabalho (vista de instalação)"]. Na descrição do projeto você pode, então, observar que você forneceu outra imagem do mesmo trabalho apresentado como “trabalho 1″, por exemplo.

Foto: jpg, gif, png. Até 5MB.
Vídeo: avi, mp4, mov, flv. Até 100MB. 
Por nossas estimativas, corresponde a cerca de 4-5 minutos de um filme de 1280 × 720 mp4.
* Mais uma vez apresenta uma séria limitação para muitos artistas que trabalham em vídeo e filme. Nossa recomendação é o mesmo que acima: carregar uma seleção ou um trecho que melhor apresenta o seu trabalho dentro dessa limitação, e colocar um link para um vídeo full-length na seção “descrições” do projeto.

Categoria: pintura, escultura, fotografia, vídeo, desenho, instalação, gráficos, mídia mista.
Este é um menu drop-down. Se não há categoria correspondente a seu trabalho use o mais próximo seguinte e explique na seção descrições do projeto. Por exemplo, escolha “foto” ou “vídeo” se você estiver enviando documentação de uma “performance” de trabalho.

Recomende para o concurso (Marque esta caixa para todas as suas obras.)

Após a conclusão da página de confirmação, está pronto. Você receberá um email de confirmação com a seguinte mensagem:
————————————————
Please do not reply to this e-mail
————————————————

Thank you for applying to the Future Generation Art Prize!

Your application has been saved and will be reviewed by our moderators. You will receive confirmation email during the next weeks.*

Finalmente, algumas notas sobre resolução de problemas e perguntas mais freqüentes:

Por favor, note que você pode usar apenas caracteres latinos e pontuação.
Isto inclui: Aa Bb Cc Dd Ee Ff Gg Hh Ii Jj Kk Ll Mm Nn Oo Pp Qq Rr Ss Tt Uu Vv Ww Xx Yy Zz
Tenha cuidado se você está colando texto que contém sinais diacríticos (acentos).Você receberá uma mensagem de erro se você tiver quaisquer acentos, em qualquer lugar em seu texto.

Devo apresentar o trabalho realizado ou uma proposta?
Envie trabalho atual e trabalho concluído. Se você for selecionado como um dos artistas pré-selecionados, você poderá ter a oportunidade de propor um novo trabalho, mas agora por favor apresente apenas trabalhos concluídos.

Existe algum lugar que eu possa enviar um portfolio?
O prêmio não tem os recursos ou capacidade de receber portfolios, mas você pode incentivar a comissão de júri e seleção para ver mais sobre seu trabalho, direcionando-os para o seu site.

Ready, Set, APPLY!

Segundo o texto do site da Pinacoteca do Estado de São Paulo sobre a exposição trata-se da “primeira exposição retrospectiva de Lygia Pape – um dos principais nomes da arte brasileira contemporânea junto com Hélio Oiticica e Lygia Clark, aos quais a artista tinha uma forte ligação”.  Mas, em minha opinião, pode até se tratar de uma retrospectiva, mas deixa de fora períodos significativos da produção da artista, privilegiando a sua produção mais conhecida da década de 1950 e 1960. Percebe-se facilmente a valorização da fase concreta (Grupo Frente) e da neoconcreta, mesmo que tenha sido contemplada também a parte de sua produção menos difundida, no que diz respeito principalmente ao seu trabalho com o cinema novo. Sabe-se porém que a exposição inicialmente realizada no Museu Arte Reina Sofía não chegou em São Paulo completa, por causa do espaço menor em que ocorre a mostra na Estação Pinacoteca, portanto podemos compreender que a edição mais limitada no Brasil se deu por um fator estrutural. O que me leva a acreditar que esse recorte ratifica o caráter construtivo potencializado com a obra da Lygia Pape.

Por mais que Pape tenha tido, juntamente a Oiticica e Lygia Clark, um certo reconhecimento nacional e internacional a difusão de sua obra foi menor que a dos outros dois. E é por isso que talvez a edição para a Estação Pinacoteca venha reiterar a produção construtivista da artista, apresentando assim sua importância e eficácia na construção da história da arte brasileira. Mas ainda me fazem falta suas realizações experimentais mais recentes, de 1980 a 2000, que influenciaram a arte contemporânea no país. Experimentações que acompanharam toda a trajetória da artista e  fizeram com que ela fosse denomina “plurissensorial” por Paulo Herkenhoff no texto, “Lygia Pape: A Arte da Passagem”, que ocupa o segundo lugar no catálogo da exposição aqui em voga, logo após a rápida apresentação dos curadores da mostra, Manuel J. Borja e Tereza Velázquez. E, também não esquecendo, produção essa que não deixa de ser colocada na larga expressão de Mario Pedrosa, “exercício experimental da liberdade”, que apesar de sua atual banalização  ainda faz jus aos Espaços Imantados de Pape.

Pois bem, voltando ao ponto de a exposição apresentar larga produção da fase concreta e neoconcreta da artista, podemos relacionar este contexto à urgência do desenvolvimento econômico em que hoje nosso país se encontra. Em meio a uma grande crise europeia parecemos nos manter “caminhando sem mancar”, e não sei até quando. É nesse contexto econômico e político atual que recordamos de quando a fase construtiva se deu fortemente no Brasil, ou seja, justamente durante a década de 1950, quando tínhamos um plano desenvolvimentista cerrado ligado à política econômica de Juscelino Kubistchek. Lembremos a expressão “50 anos em 5”. Nesse sentido, Frederico Moraes em “Vocação Construtiva (mas o caos permanece)” nos situa de maneira a perceber o caráter de mudança que o início do Construtivismo apresentava em 1917, no fervor da revolução na URSS: “o construtivismo russo, portanto, surge no momento em que se preparam profundas mudanças no plano econômico e social, quando se pretende dar o salto do subdesenvolvimento” e continua “Não estaria aí, também, um dos objetivos da arte construtiva entre nós? Nos manifestos madistas, concretistas, neoconcretistas ou invencionistas, não são feitas alusões às possíveis implicações políticas desses movimentos, mas esta ausência não nos impede de localizar em suas propostas uma presença política o desejo utópico de renovar e transformar a sociedade”.

Desse modo – sem recordar da primeira intenção do construtivismo, anteriormente comentada – me perguntei: por que não foram contemplados na exposição trabalhos como Língua Apunhalada (1968) e Jogo de Tênis (2001) juntamente com o já exposto Eat Me (1973)? Ou melhor, por que  não serem retomadas as Caixa das Formigas e Baratas (ambas de 1967) para compor uma melhor visualização do olhar crítico e experimental de Pape, ou para compor melhor o registro de performances e experimentações em vídeo da época? Depois de refletir e de ter conseguido retomar alguns aspectos da história da arte e de nosso contexto atual, consegui ao menos criar uma hipótese do porquê dessa escolha construtiva. A resposta talvez esteja ligada à ideia de difundir a fase construtiva da artista, primeiro pois a curadoria foi pensada por espanhóis, ou seja, corresponde à visão mais difundida da arte brasileira no exterior. Segundo porque seria interessante divulgar a produção da artista em que ela mais se debruçou – isso no sentido das múltiplas experimentações feitas por ela no grupo Frente e no neoconcretismo. E terceiro pois associar a vontade econômica atual de mudança e salto ao desenvolvimento no país com a fase da utopia construtivista faz-se coerente com intenções políticas.

Passando por uma questão primeira, estrutural ou talvez intencional, que implicou em escolhas, posso seguir nesse momento em direção ao próprio nome da exposição. Espaço Imantado é o trabalho de Lygia Pape de 1968 que representa, a meu ver, melhor o que a artista costumou pensar/trabalhar desde o início de sua produção em meados dos anos 1950. Desde as pinturas de 1953, da série de xilogravuras chamadas Tecelares de início em 1953 no concretismo até 1959 passando a fase neoconcreta, também de seus desenhos de 1955 a aproximadamente 1960, até os Livro Poema  de  1960, a chegar em Divisor de 1968. Todos esses trabalhos compartilham uma intenção da artista que fica clara quando ela apresenta tanto o texto como o trabalho que dá nome a exposição.

O texto não datado de nome “Espaços Imantados” de Lygia Pape corresponde a significação do termo a partir de três exemplos. O primeiro, ao espaço urbano dentre ruas e esquinas, em que ela se sensibiliza explicando que “a partir de minhas andanças de carro pela cidade (…) fui percebendo um tipo novo de relação com o espaço urbano, assim como fosse uma espécie de aranha tecendo o espaço (…) que é como se passássemos a ter uma visão aérea da cidade e ela fosse uma imensa teia…”. Nesse primeiro é inevitável não corresponder tal sensibilidade à imagem idealizada dos Tecelares e das, mais literalmente, futuras Ttéias. Em segundo lugar, Pape exemplifica a figura movimentar dos camelôs que aparecem em um espaço com suas parafernálias e tem um caráter de aglomerar as pessoas ao seu entorno, “numa espécie de imantação”, segundo ela.  Me vem rapidamente a imagem do Divisor, caracterizado como uma espécie de “mapeamento” do corpo coletivo, participante e finalizador da obra de arte. E em terceiro momento, o espaço imantado que ela denomina como “agressivo, terrível, furioso, desesperador e belo”, exemplificado no texto pela Baixada Fluminense, onde ela considera que ocorre “a tragédia do homem anônimo, perdido e só”. Com relação a esse último espaço eu não teria nenhuma obra a me referir, a não ser pela exuberância de outros trabalhos futuros, Manto Tupinambá de 1996 e Bus Stop de 1999. E se pararmos para pensar, Imantado só parece dizer o contrário de “Mantado”, de modo que Imantado é aludido pela própria Lygia como uma espécie de Imã, que conglomera as pessoas, como os camelôs, mas ao mesmo tempo o Imã de Imantado as aquece quando unidas como um certo manto que as acolhe. E por isso Manto Tupinambá pode corresponder ao manto vermelho que cobre parte da cidade, assim como Bus Stop pode ser “a tragédia do homem anônimo, perdido e só”.

Dessa maneira é passível entender quando Herkenhoff utiliza-se da expressão “plurissensorialidade” ao mesmo tempo que podemos inserir a ideia de “corpo coletivo”, mas isso porém só me parece possível se compreendermos também a “passagem” que sugeriu Taisa Palhares durante a palestra com Cauê Alves na última quinta-feira (29/03/12) na Pinacoteca do Estado sobre a própria exposição. Taisa comentou que talvez a obra de Pape não tivesse como mote a vontade de dissolução entre arte e vida, como se pode apreender sobre a obra de Hélio Oiticica e Lygia Clark, mas que a vontade desse corpo e da participação dele se dá justamente na passagem de ida e volta entre a arte e a vida, como se acontecesse no entendimento entre as duas coisas. E dessa maneira, a “plurissensorialidade” não se dê exclusivamente perante as múltiplas ideias de Pape e suas múltiplas facetas de sensibilidade – como podemos perceber no próprio texto Espaço Imantado -, mas também na sensibilidade dessa passagem que  Taisa generosamente sugeriu-nos em tom de dúvida.

“Sou a favor de uma arte – homenagem a Oldenburg” de Tiago Gomes
O projeto Corredor397 abriga trabalhos site-specific em um muro a céu aberto de 10 metros de altura.Nesta edição o artista Tiago Gomes fará um lambe-lambe e um stencil de grandes dimensões a partir de um texto de  Claes Oldenburg escrito em 1961.

A mostra de vídeos “Soltem os bichos!”com curadoria de Hugo Fortes  desvia do discurso ecológico e privilegia trabalhos em que animais aparecem como sujeito e tema para a criação poética. Serão exibidos dez vídeos  e animações de curta duração de artistas do Brasil, Alemanha e Estados Unidos.

Sobre a Performance “Natureza Ressuscitada” de Síssi Fonseca
Neste trabalho a artista discute a questão da natureza morta e o papel que os animais ocupam neste gênero. Criando uma espécie de Tableaux Vivant no qual insere seu corpo, Síssi Fonseca une a inspiração dos Contos de Hoffmann à sua atuação corporal, transformando o ambiente onde ocorre a ação.

Sobre a exposição individual “Atrator de Libélulas” de Hugo Fortes
A exposição apresenta trabalhos recentes do artista Hugo Fortes, que tratam da comunicação entre o homem e os animais através da arte, fazendo uma alusão aos processos de documentação e observação científica. Os trabalhos, realizados em vídeo, fotografia e escultura compôem um conjunto poético baseado na imagem de libélulas.

ATELIÊ397 apresenta
“SOLTEM OS BICHOS!”

PROGRAMAÇÃO

20H – SESSÃO CORREDOR

“SOLTEM OS BICHOS”
Vanderlei Lopes
Marcia Vaitsman
Rodrigo Mathias
Antje Engelmann
Monique Allain
Cyrill Lachauer
Lilian Simofusa
Hugo Fortes
Joseph Peragine
Marcia Rosa
curadoria HUGO FORTES

21H -PERFORMANCE
“NATUREZA RESSUSCITADA”
de SÍSSI FONSECA

21H30 – ABERTURA
DA EXPOSIÇÃO
“ATRATOR DE LIBÉLULAS”
de HUGO FORTES

23H FESTA “SOLTEM OS BICHOS” com
MUTIRÃO MARAVILHA SOUND SYSTEM

APOIO

VIDEOGUERILHA
VISUAL FARM

INGRESSO R$ 5
Entrada gratuita até as 22h
Venha fantasiado de animal e entre de graça!

___________

NÃO ACEITAMOS CARTÕES
Local: Ateliê 397 – Rua Wisard, nº 397 – Vila Madalena, São Paulo/SP
(11) 3034.2132

1. http://en.wikipedia.org/wiki/Contact_improvisation
2. http://en.wikipedia.org/wiki/Release_technique
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Somatics
4. http://pt.wikipedia.org/wiki/Bal%C3%A9
5. http://pt.wikipedia.org/wiki/Rudolf_Laban

DURAÇÃO: 2 semanas
CARGA HORÁRIA: 4 vezes por semana / 2h30 de aula
MATERIAL NECESÁRIO: roupas confortáveis
REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS:
Anatomia para Colorir – Kapit Elson
Sensing, Feeling and Action – Bonnie B. Cohen
Movement Awereness & Creativity – Bartal& Ne’eman
Anatomia do Movimento – Rudolf Laban

INSCRIÇÕES
Investimento: 450 reais

Os CINCO PRIMEIROS inscritos ganham 10% DE DESCONTO no valor total do curso. Além disso a artista concederá, através de uma seleção, BOLSAS DE 50% para os que enviarem CV e carta de intenção para thelbonavita@gmail.com. O valor do workshop pode ser parcelado em até 3 vezes.

- Pelo site
- Por e-mail: contato@atelie397.com
- Por telefone: (11) 3034 2132
- Pessoalmente: Rua Wisard, 397 – Vila Madalena, São Paulo

THELMA BONAVITA

Estudou na SCHOOL FOR NEW DANCE DEVELOPMENT Amsterdã/Holanda de 1997/ `a 1998 como estudante convidada, participou do curso de especialização METODO LABAN – USP (Universidade de São Paulo e Centro Laban) de 1989 `a 1991 e praticou dança clássica no BALLET STAGIUM de 1983 a 1991.

Artista da dança, premiada pela APCA – Associação Paulista dos Críticos de Arte em 1995 ,1997 e 2008 e o prêmio Troféu Mambembe em 1989 e 1996.

Foi uma das criadoras e fundadoras do estúdio NOVA DANÇA em 1995 e trabalhou junto ao estúdio durante dois anos – período o qual recebeu o MAMBEMBE 96 e o prêmio APCA 97 pelo evento Terças de Dança produzido pelo estúdio. Em parceria com Cristian Duarte, desenvolveu suas atividades artísticas através da Plataforma DESABA, durante 4 anos, 2006-2010. A plataforma recebeu o prêmio APCA – Associação Paulista dos Críticos de Arte , em 2008, por sua atuação e produção no ano.

Atualmente dirige o COMO – clube, um espaço de convivência artística situado na Praça da República, São Paulo/SP.

Na infância achava que doutor eram só aqueles formados em medicina e não entendia por que todos chamavam minha mãe de doutora se ela não era médica. Mas também reparava que na rua chamavam meu pai de doutor: o moço do bar, o pedinte da rua, o cuidador de carros etc… Ficava orgulhosa quando chamavam meus pais de doutores, pois me sentia mais segura na presença de “médicos”.

Meu nome é Paula Borghi de Mendoça, entretanto assino como Paula Borghi, uma maneira que encontrei de burlar as regras machistas, as quais somos acostumados. Borghi é o sobrenome do lado materno, um nome que me deu muito trabalho na escola, visto que muitos me chamavam de “Paula Boing” e outras coisas.

Enfim, me chamo Paula, pois minha mãe achava que soaria bem ter uma filha chamada de Dr. Paula. Esta foi a explicação que ela me deu do porque do meu nome, como se a letra A se esticasse conforme a pronúncia: Doutoraaaaaa Paaaaulaaaa. Por acaso do destino estudei artes visuais na FAAP, que também tem bastante A, contudo não é motivo de orgulho para esticar a vogal.

Para a surpresa da família me formei em artes visuais e trabalho com curadoria. A palavra curadora me faz sentir mais próxima do nome doutora, como se ainda houvesse alguma possibilidade de “curar”. Os médicos curam e os curadores também, porém não especificamente o mesmo. Enfim, os curadores curam sem curar, entende? Eu não, na verdade fico curiosa para saber o por que desta nomenclatura, dúvida que infelizmente o dicionário não pode responder, visto que a palavra “curador” e “curadoria” não são reconhecidas no vocabulário oficial da língua portuguesa.

Por outro lado, a semântica de minha profissão se aproximou do desejo de ser doutora. Em poucos meses começam as aulas do mestrado em curadoria e na sequência as do doutorado. Além de curadora também participo e organizo residências, tantos nacionais como internacionais, fazendo de mim praticamente uma doutora, que não é medica nem tampouco doutoranda e mesmo assim cura e reside.

Além de curar e residir, hoje em dia é muito comum o curador crítico. Semana passada no hospital o medico me disse: “O quadro do seu pai está critico”. Lembrei-me das aulas de pintura e de crítica de arte, mas não soube responder se um “quadro crítico” referenciava uma crítica positiva ou negativa. São momentos como este que sinto que posso ser uma doutora e que a profissão do curador e do médico não são tão diferentes quanto parecem ser, pelo menos quando analisadas semanticamente.

Logo em seguida pergunto ao médico por que ele resolveu estudar medicina e ele me responde: “Para ajudar as pessoas”. Logo após complementa: “Você também pode ser médica!”. Mal sabe ele que já sou curadora….